El Puente: Die Brücke (Kirchnner y Nolde)

Nace en 1905 en la ciudad de Dresde (foco fundamental del arte expresionista) aunque en 1910 sus artistas se desplazan a Berlín en busca de mayores posibilidades para la difusión de su trabajo. Se trata del primer grupo de artistas dentro del grupo. Eligen ese nombre: nexo de unión entre elementos revolucionados y agitados. Objetivo: recuperar ese espíritu de las comunidades artísticas de época romántica (prerrafaelitas). Un grupo que pueda llevar una vida comunitaria, recuperar esa comunidad de artistas que pretendió fundar Van Gogh en Arles.

Los fundadores fueron cuatro estudiantes de arquitectura: Kirchner, Heckel, Schmidt y Bleyl. Objetivo: oposición a la pintura del impresionismo y buscar un medio de expresión, un arte, en el que esa expresión estuviera vinculada estrechamente a la vida. Identificación entre arte y vida, desde el momento en el que el artista considera al caballete una vida de expresión de sentimientos.

En 1910 se van a Berlín, en busca de un anonimato y de mayores posibilidades para exponer las obras. Pero allí se encuentran una serie de factores:

  • fuerte contraste entre clases sociales
  • vida nocturna palpitante
  • existencia de numerosos grupos artísticos que suponían una dura competencia.

Estos factores hacen que el grupo comience como tal a disgregarse. Que los artistas cada vez pusieran un sello o un interés más importante en lo personal. Poco a poco se renuncia al espíritu colectivo con el que nació el grupo.

Desarrolla una pintura sin programa. No tienen un manifiesto fundacional, de hecho rechazan los programas preconcebidos. Apuestan mas por la practica de la pintura que por la reflexión. No les gusta reflexionar y perder el tiempo en esos menesteres. Existen documentos programáticos, como la crónica de Kirchner, pero se escribe el año que desaparece el grupo, es más es la causa que determina la disolución del movimiento, porque se atribuye a su mismo la creación del movimiento, lo que enfada a los demás.

Grupo heterogéneo, que les une mas lo que rechazan. Objetivo: pintura como vehiculo de expresión de sus sentimientos. Van Gogh es central pero también Munch, Ensor, y la influencia del arte primitivo, porque en esos años se funda en Dresde un museo donde se recogen abundantes ejemplos de obras realizadas de diferentes culturas.

El grupo del puente estuvo muy interesado por recuperar una faceta del artista que es el artesanato. Un poco en la línea del modernismo, y que por esa razón, casi todos los artistas van a aprender la técnica del grabado, lo que requiere un gran dominio de la técnica, a la manera de Durero. Van a realizar producciones importantes de Grabado, y además la presencia del grabado va a estar muy presente en las obras pictóricas.

Rechazan los convencionalismos sociales. Consideran a la sociedad como corrupta y su obra se centra en criticarla y resaltar los defectos y puntos débiles. El horror, el temor, la angustia, el desasosiego… 

Ersnt Ludwig Kirchner
[1880 – 1938]
Carácter desequilibrado, muy conflictivo que terminara suicidándose cuando se siente acorralado por el nazismo. Pertenecía a una clase de nivel medio y fue empeño de su padre el que estudiara arquitectura. Pero su afición era pintar y dibujar

Cinco Cocottes 1913, y Crónica del Grupo de artistas del puente.
Es el teorizador mas importante del grupo. En los grabados se ve ya unas firmas angulosas, duras, que pasan después al ámbito de la pintura.

 Marzella. 1910. Recuerda a la adolescencia de Munch. Tema similar. Retrato de una niña con una actitud similar, pero la pincelada es mucho mas violenta por contraste de color y aplicación de la pintura. Rostro mas estereotipado y sintetismo en el espacio, angosto… tónica común en la pintura de Kirchner. Pinceladas nerviosas.

Munch + Matisse

 

Calle de Berlín 1913
Tema recurrente que toma de Munch. Encontramos rasgos muy similares en todas ellas:

 

  • espacios distorsionados pero las perspectivas forzadas, quebradas.
  • Aparecen elementos urbanos característicos: vehiculos, escaparates
  • Curvados, animados, personajes que deambulan… sin relacionarse: soledad en compañía… pero distorsionados por efecto del alargamiento (Greco)
  • Pincelada angulosa en forma de v, que deriva de su trabajo dentro de la técnica del grabado.
  • Rostros estereotipados, carentes de sentimiento. Mascaras orientales y africanas que tuvo ocasión de ver en el museo de Dresde.
  • Colores sombríos con golpes de colores intensos para contraste.

Escena callejera en Berlín 1913. Personajes relacionados con las clases sociales medias y altas. No son retratos, pero lo vemos por el atuendo. Aparecen en muchas ocasiones las llamadas Cuccots. Eran rechazadas, y se identificaba porque así era el también y su pintura.

Escena callejera en Berlín 1913. Concentrada y apelmaza en un espacio exterior

Cinco mujeres en la calle 1913 

La plaza de Potsdam 1913. Formas con aristas, angulosas, cortantes, hirientes, que acentúan la composición.

Calle Friedrich 1914. Fuga incontrolada. La locura de la vida moderna

Mujer frente al espejo 1912. También pinta algunas escenas de interior. Color arbitrario: carnación amarilla en contraste con la pared azul. Angosto, encuadre inclinado proveniente de la fotografía y el cine. Rostro convertido en una mascara.  

Autorretrato como soldado 1915. Uno de los pintores que mas alegremente se sumo al conflicto bélico. Se inscribió como voluntario, pero la rígida disciplina y el temor constante a la muerte, producen en el pintor un colapso psíquico que lo incapacita para estar en el frente. A raíz de esta experiencia traumática, pinta una serie de retratos muy impactantes en los que el tema central es el sufrimiento físico y psíquico y su incapacidad para seguir pintando.

El no fue un mutilado de guerra, pero se representa así para transmitir esa incapacidad para pintar. Es un retrato tremendamente expresivo, que transmite perfectamente su situación. Mirada perdida. Entorno trabajado en ese color chirriante: influencia de colores de Van Gogh.

Plaza de Nollendorf 1912. Paisaje urbano protagonista en si mismo. Siempre es una naturaleza, un paisaje distorsionado, con calles deformadas, como vistas a través de un personaje trastornado. Colores mitigados. 

Plaza del mercado con la torre roja 1915. Sangre y tragedia. Formas angulares. Se representa la arquitectura gótica por formas angulosas. Años en los que sufre manías persecutorias y crisis de ansiedad. Siempre por temor a ser nuevamente enrollado en el ejercito. En 1925, de vuelta a Alemania, surge otro peligro: conformación de un estado nazi y que le conduce al suicidio.

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ÉMile Nolde
1867 – 1956
Su pintura aporto aspectos interesantes que marco también el devenir de ese expresionismo. Es un personaje un tanto singular. Casi todos los pintores vinculados a la tendencia expresiva, herederos de Van Gogh, que necesitan expresar sentimientos, emociones e inquietudes a través de la pintura son personajes con psicologías complejas. Solitario, al que le gustaba la vida aislada, introvertido. Desarrollo su trayectoria profesional al margen de los grandes focos de producción artistístico del momento. Pero participo en El Puente aunque sea de manera puntual.

Se formó en varias escuelas. Alemania, pero también París y Copenaghue. Comenzó realizando grabados, por eso sus primeras pinturas tienen un carácter duro, dureza propia de la técnica del grabado. Pinturas que tienen ciertas similitudes con el arte gótico. Pero en 1900 hace un viaje a Paris y entra en contacto con la vanguardia contemporánea, y esto cambia. Grupo de los post impresionistas  e impresionistas, que le van a impulsar a cambiar su paleta cromática, a trabajar con un color intenso, vivo, llamativo. Su pintura adquiere un nuevo brillo, y de hecho, dentro del grupo del puente, es el pintor que utiliza el color más violento, más intenso.

Una vez regresado de Paris se instala en la isla de Alsen, que pertenece a Dinamarca. Existencia bastante aislada solo interrumpida en 1906 cuando entra en el Puente, aunque su presencia solo dura ese año. Vemos Monet, Jardín de Giverny.

En Alsen, siguiendo el modelo de Monet, va a crear todo un jardín. Va a seguir ese modelo y va a crear su propio jardín que le va a servir de inspiración para las obras de toda su carrera.

Jardín de flores 1908. Ya se ve la influencia de los pintores de París: naturaleza vibrante, colores vivos… Van Gogh. También Gauguin en la simplificación de las formas. Incluso Munch. Estas tres influencias le impulsan a dar prioridad y dar un uso muy vivo del color. Temas: tres fundamentales.

  • flores, jardín
  • paisajes marítimos, escenas de costa con un componente muy romántico
  • genero religioso. Poco frecuente no solo dentro del siglo XX, sino también del expresionismo. Es un referente. Retoma la tradición de Rembrandt, aunque su forma de pintor es muy diferente a la del pintor barroco.

Identificación entre arte y vida. Muy Van Gogh. Fusión entre su estado de animo, físico y psíquico. En cuando el sentía un estado de agitación, lo transmite a la naturaleza.

En estos primeros años, con la aplicación de la intensidad cromática, también aplica una pincelada densa, de grandes empastes que hace que el color y la luz vayan poco a poco imponiéndose a la forma. Y aunque esa forma no se llega a perder porque identificamos el tema, los protagonistas son la luz, el color y el sentimiento que quiere transmitir.

La última cena 1909. Una parte de su producción que más impacto causa es la temática religiosa. Es un cuadro que nos trae en mente las ultimas cenas de Rembrandt y Leonardo Da Vinci, pero Nolde le da un aire completamente nuevo. Una forma que deriva del contexto expresionista.

  • presenta a cristo centrado, preside la composición. Pero están en un espacio angosto y cerrado. Idea de la angustia espacial. Crea inquietud.
  • Personajes de rostros distorsionados
  • Los distintos elementos que integran a los personajes no se atienen a las proporciones clásicas. Hay deformaciones. Ejemplo: manos de cristo
  • Rostros que se transforman casi en mascaras.

¿Qué pretende mostrar? El sufrimiento que Cristo está sintiendo previo a la Pasión. Dolor y angustia, miedo ante el desarrollo de los actos que se le vienen encima. Rostro sufriente y deformado. Los apóstoles también forman parte de ese drama.

  • color muy contrastado a base de rojos. Rojo protagonista en referencia a la sangra. Preludio de la sangre que será derramada.
  • Negro de los apóstoles en primer término.
  • Pincelada nerviosa, inquieta, empastada. Manchas informes de color.

Cristo entre los niños 1909. Cristo protagonista, visto de espaldas. Marca una diagonal que sirve para diferenciar y dividir el cuadro en dos partes. El color azul tiene un carácter simbólico: pureza de Cristo.

  • derecha: conglomerado de niños tratados con colores brillantes, calidos, alegres (naranjas, amarillos…). Las figuras están tratadas con amabilidad, condescendencia…
  • izquierda. Zona sombría dedicada a los apóstoles.

Pentecostés 1909. Recuerda mucho a la composición de la Ultima Cena. Jesús ya no es central, sino uno de los apóstoles, pero la disposición es muy similar. Rostros convertidos en caricaturas. El color es arbitrario. Tremendamente contrastado. Muchos temas dedicados a la pasión. 

Ecce Homo 1909. Entronca con la pintura alemana de siglos anteriores. El Bosco, Cruz a cuestas. Durero, Jesús ante los doctores. Se ve como toma de las pinturas personajes amontonados, encuadres que recortan personajes… pero sobre todo donde se impone sentimiento personal del artista frente a otros valores. 

Crucifixion 1912. Grunewald, Crucifixión 1515. Es casi una transposición. Manos crispadas, cuerpo enjuto… De todas las crucifixiones de la historia del arte, es una de las más expresivas, y Nolde sigue su ejemplo. Anatomía adelgazada, rostro expresivo, manos crispadas… También recrea el grupo siguiendo los modelos de Grunewald.

Leyenda de Santa Maria Egipciaca 1912. Dedica obras a la leyenda de Santa María. Era una prostituta que vivía en Egipto, un día, delante de la virgen, siente que sus pecados son perdonados, y se traslada al desierto para hacer penitencia durante 40 años. Un día aparece muerta y un león cava su tumba. Colores rabiosos y figuras sintéticas, sin entrar en detalles (Gaugin).

 

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