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El arte por el arte | September 2, 2014

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El Simbolismo y los Nabis

LA PINTURA “NABIS”
Son los pintores vinculados a la arquitectura modernista. Van a aglutinar en su obra influencias de otros autores anteriores: Paul Gaugin, Paul Cezanne, Degas, de la estampa japonesa, y del arte oriental en general. Pero también evidentemente influencias del modernismo, puesto que son pintores vinculados a esta corriente.

¿Cuándo aparecen? Se van a formar como movimiento en el año 1891. En ese momento comienza a funcionar como grupo. Pero es cierto que la primera obra nabis es de 1888, un poco anterior. Es la obra más emblemática de este movimiento y fue realizada siguiendo el modo de trabajar la pintura del pintor postimpresionista Gaugin.

¿Quiénes son?
Es un grupo amplio y heterogéneo (como lo normal en el arte del siglo XX). Artistas que militar en corrientes, movimientos, pero que luego tienen pocos elementos en común.

  • Pierre Bonnard
  • Maurice Denis
  • Paul serusier
  • Edouard Vuillard

Más dos escultores: Aristide Maillol y Georges Lacombe.

Es un grupo heterogéneo, los artistas son muy distintos entre sí y podemos decir que casi les une una sola cosa: su necesidad de expresión y su carácter espiritual. De hecho, el nombre Nabi significa profeta. Se definieron a su mismo como profetas cuyo objetivo era regenerar la pintura, hacer algo nuevo y diferente. Para ello tomaron como modelo la forma de vida y de trabajo de algunos grupos del siglo XIX como los pintores prerrafaelitas (grupo ingles) y los pintores nazarenos (alemanes). Estos dos grupos determinaron vivir en comunidad, como monjes, dedicándose a un pintura de asuntos religioso y simbólico. Los pintores nabis, siguiendo el modelo, fundan una hermandad cuyo fin primordial es el amor a la belleza. Pero en un momento dado todos los miembros derivan hacia el catolicismo y van a convertir esa hermandad en una comunidad religiosa.

Desde el pronto de vista estético conceptual 

  1. Se relacionan con el simbolismo, una corriente muy en voga en ese momento en oposición al naturalismo y al positivismo, dos corrientes que inspiran otros muchos movimiento artísticos.
  2. Quieren una simplificación de las formas, de la representación y una vuelta a lo primitivo, a lo ingenuo. Tomando en este caso como maestro las enseñanzas de Paul Gaugin (su primitivismo).
  3. Para los pintores nabis el arte no tiene que ser una imitación de la naturaleza. Debe ser ante todo un medio de expresión de sentimientos. Y por esa razón el tema, lo que se represente, no va a ser más que una mera excusa. El tema no es lo importante. Y la función del artista es transformar todo en belleza. Lo que recuerda al modernismo. Esa belleza tiene un fuerte componente decorativo. Todas las ideas quedan recogidas y se difunden a través de las revistas modernistas

Revue Blanche. Ya vimos esta revista como medio de expresión de los artistas modernistas. Arte y crítica, donde los pintores nabis no sólo escriben sino que también incluían ilustraciones, incorporaban dibujos, reproducciones de algunas de sus obras… Texto y elementos ilustrativos.

El grupo tuvo sus propios teóricos: reflexionar y plasmarlas por escritos. El más importante es: Maurice Denis. Tiene una producción pictórica más limitada porque buena parte de su tiempo lo dedicó a reflexionar sobre el concepto de arte y de pintura. A el se le debe una definición de la pintura que publico en 1980, en Art et critique:

un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado.

Definición que desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.

Esto tiene su origen en la pintura impresionista: lo importa no es el tema, sino captar la primera impresión.

 

Tendencias de la pintura nabis: espiritual y decorativista

Tendencia espiritual o simbólica (Paul Serusier y Maurice Denis)

  1. cercana a las ideas de Gaugin, vuelta a lo primitivo a los orígenes
  2. mirada a la edad media. En el siglo XIX tuvo un peso importante
  3. estilo cloisonne. Muy cercano a la manera de trabajar de Gauguin. Se aplica a diferentes ámbitos del arte: cerámica, vidrieras, pintura… y consiste en pintar con grandes superficies de color plano delimitadas por una línea negra. Como si se tratara de una vidriera. Paul Serusier y Maurice denis van a trabajar con esa técnica.
  4. Temas: bretaña, edad media, bíblicos.
  5. Mezcla de simbolismo y romanticismo
  6. Vuelta al primitivismo y simplificación
  7. Amplias superficies de color plano

Tendencia decorativista (Pierre Bonnard y Edouard Vuillard)

  1. cercana al impresionismo y a la ultima etapa de Degas
  2. interés por la estampa japonesa y el arte oriental
  3. Temas: interiores burgueses intimistas
  4. Enfoques cambiantes
  5. Perspectivas en altura
  6. Iluminaciones artificiales
  7. Atención a los motivos decorativos. Es una pintura esencialmente decorativa. El decorativismo invade toda la superficie.

La obra de estos artistas afecta además al medio gráfico, produciendo carteles, vidrieras, objetos de decoración, estenografías, papeles pintados… su ámbito de intervención es muy amplio y muy variado.

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PAUL SERUSIER
[1884 - 1927]
Artista de la línea simbólica. Fue el único discípulo directo del pintor Paul Gaugin (vemos autorretrato 1889, técnica cloiseonne). Había llegado en la Pont Aven, comunidad bretona. Siguiendo a una estela de pintores que desde 1873 habían elegido este lugar en la bretaña francesa como lugar de reunión, de escape, para poner en practica una pintura alejada de las normas academias. Todos eran alumnos de la escuela de Bellas artes que no estaban de acuerdo con los principios estéticos aprendidos. Buscan un espacio donde poder hacer un tipo de pintura diferente.

Se va a sumar a estos ensayos y practicas del pintor Gaugin que quedan reflejadas en muchas de las obras. De ellos va a aprender también los fundamentos del simbolismo. Y por indicación de Gauguin, en 1988, va a realizar la que se considera la primera obra Nabis, fuerte contenido simbólico y sintético

El talismán 1888. Paisaje absolutamente sintético que junto con los estudios de Denis fue considerado origen, peor también precedente del expresionismo pictórico y de la pintura abstracta. Es una caja de puros. Pero antes que el paisaje lo que importa son otros elementos: la aplicación del color y su distribución en grandes manchas para conseguir diferentes efectos ópticos, distintos contrastes, para articular la presencia de la luz. Trabaja con cuatro colores: amarillo, ver, azul y. Lleva a cabo una autentica audacia de color para la época con formas absolutamente simplificadas. El tema ya no es e protagonista.

Melancolia, 1891. Las transiciones de color, el contraste de todos, la luz… vuelven a ser protagonistas. Figura humana de carácter simbólico. El color es más apagado que en la obra anterior, con diferentes gamas de amarillos y de ocres, pero el concepto es el mismo.

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MAURICE DENIS
[1870 – 1943]
Tuvo una producción limitada porque practico la pintura, pero fue el principal teórico del grupo. Dedico menos tiempo, menos energías que el resto de los pintores a la producción de pintura. Pero en cualquier caso, es un autor que produce obras muy diversas y diferentes entre si, en algunas pone su acento en el uso del color, otros la línea, temas diversos… Pero sierre intención de innovar.

Formas de luz del sol en la terraza 1890. Técnica claisoné. Una técnica que estos pintores asimilaron de la obra de Gauguin. También es muy gauginiana esa síntesis de las formas. Se trabaja no con un detalle en la representación sino a base de formas sintéticas. Y como el titulo indica: no importa el qué (tema) sino de qué manera se representa. Desde finales del siglo XIX comienzos del XX esto es lo importante, el cómo. Una vez más el tema es una escusa.

Las musas, 1893. Muy influenciada por el modernismo. Figuras estilizadas,  un mayor sentido decorativo, una mayor presencia de la línea pero son pinturas dentro de esa tendencia simbólica, son obras atemporales que no persiguen la plasmación de una realidad inmediata y obras en las que los personajes figuran con rostros estereotipados, con formas idealizadas… todo ello con una gama cromática muy armoniosa, muy cuidada. Sutiles transiciones.

La visitación, 1894. Temática religiosa (vimos como era un grupo religioso), pero presentado de una manera atípica, porque sin el titulo es difícil adivinar que nos encontramos ante una escena evangélica. Es una mayor asepsia. Acento en el frente de flores, la celosía… Resulta un tema descontextualizado para lo que la pintura tradicional nos tiene acostumbrados. Por otro lado las figuras están representadas desde un punto de vista bajo, por lo que hay una superioridad de los personajes y adquieren todo el protagonismo de la escena.

El Paraiso, 1912. De nuevo explosión de color. Son obras muy diferentes porque le interesaba experimentar. Para el su obra pictórica no era el soporte importante, se da mas libertad. Composición abierta en la que se confunden la vegetación con las figuras humanas (Ángeles).

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Pierre Bonnard
[1867 – 1947]

Pintor que paso unos años en Bretaña vinculado a ese grupo de artistas cercanos a Gauguin, pero el adopta otra línea pictórica. Inicia la carrera de derecho, pero a raíz de vender un cartel para un anuncio de champán (anuncio de champagne 1891) determina que su vocación es el arte.

En el cartel trabaja con recursos del momento, plenamente modernista, muy cercano a los que se realizaban en ese momento: Lautrec. Función: anunciar, promocionar, divulgar y era necesario que tanto su mensaje como los elementos gráficos pudieran ser vistos a una distancia considerable. Por eso, la mayor parte están realizados con colores planos para no emborronar la imagen. Colores llamativos, intensos. Formas planas y formas muy simplificadas. Acompañado de grafías, tipografías. Hay lazos con el modernismo: el trazo de la línea que tiene distintos grosores, en algunos momentos trazo sólido y grueso, en otros, se adelgaza y se vuelve sutil, caso hasta desaparece. Por otro lado, estamos en el dominio del arabesco, esa línea continua que no se corta ni se quiebra, que discurre en zigzag, recorridos sinuosos a lo largo del todo el dibujo. Composiciones dinámicas.

Características
Sobre todo trabaja temas de interior. En este sentido va a seguir las directrices del impresionismo, y concretamente de Degas. Temas carentes de trascendencia, a lo que se suma Bonnard. Pero también va a realizar retratos. Comienza pintando con una paleta de tonos suaves, paleta que poco a poco adquiere una mayor intensidad, un mayor contraste, se va a ir enriqueciendo. Trabaja con una pincelada bastante suelta: manchas de color de pequeñas dimensiones, masas densas de pintura y creando esa impresión de imagen un tanto descompuesta. La línea para el ocupa un lugar secundario.

Por otra parte aplica manchas de color blanco para conseguir luz en la superficie. A ello se añade el interés de este pintor por lo decorativo, por tanto es muy frecuente que sus fondos, las paredes, las telas, los sofás… incorporen elementos decorativos que enriquecen la visualidad de la imagen.

Van a conseguir una síntesis de influencias:

  • Estampa japonesa. Se va a concretar en el uso de una perspectiva en altura, uso de colores planos (lo que hace perder tridimensionalidad) y de composiciones desmembradas y composiciones en las que el centro de la pintura puede quedar a lo mejor vacío.
  • Impresionismo: temas cotidianos. Y especialmente los temas que trabajaba Degas.
  • Decorativismo modernista
  • Influencia de la fotografía. Influencia que se aprecia en la instantaneidad con los que están concebidos muchos de los temas, encuadres recortados y también por el uso de algunas composiciones originales: puntos de vista singulares.

El almuerzo de las niñas 1897. Tema intrascendente: dos niñas comiendo, algo absolutamente cotidiano. Sorprendidas: ajenas a la presencia del pintor. Punto de vista elevado, la obra esta cogida desde un picado. Influencia de la fotografía. El elemento mas importante: la lámpara y la luz. No solo centra sino que se convierte en el eje. Y además la luz que se concentra en el centro crea reflejos, brillos… es el elemento protagonista. Estampa japonesa: perspectiva en altura. Es una perspectiva forzada, que eleva artificiosamente el suelo, y parece una pared, creando un choque, porque la perspectiva de la mesa es lineal, y esta en desacuerdo con la perspectiva en altura del suelo. Incongruencias buscadas, ¿por qué tiene que ser siempre la tradicional? Están cuestionando la tradición en la teoría pero también en la práctica.

Bajo la luz de la lámpara 1899

  • Tema
  • Punto de vista
  • La luz es protagonista, pero… hay tres mujeres, una en contraluz y de las otras dos no vemos el rostro. No es interesante ni ellas ni lo que hacen. Interesan los recursos pictóricos.

Mujer con medias negras, 1900. Tema plenamente degasiano: Degas en su ultima etapa vive solitario, y se inclino por el tema de alcobas, de mujeres (Baño matinal, La tina, mujer peinándose el cabello). Y Bonnard repite algunos de esos temas, en escenas de baños con desnudos de mujer, con un primer plano bastante intenso y con ese carácter decorativista que se aprecia en las telas y en el elemento mobiliario. La protagonista: a contraluz. No es un retrato, no importa ella. Tonos ocres y dorados que le dan un aire cálido.

Desnudo a contraluz 1908

  • Perspectiva forzada en el barreño
  • Cúmulo de elementos decorativos: luz, papeles pintados, cortinas…
  • Contraluz
  • Punto de vista bajo, monumentalizando
  • Cogida por sorpresa
  • Ha incluido el espejo, que ayuda a reforzar la idea de profundidad.

La carta, 1906. Intenso primer plano muy fotogénica. Una serie de cuadros de habitaciones, con mesas en un primer termino donde combina el bodegón con la figura humana. Es un estudio de composición.

El mantel de cuadros rojos (1910).  Juega con diferentes perspectivas y contraste de colores.

El comedor, 1913. Su color con el paso del tiempo se va haciendo mas alegre, mas vibrante. Dos técnicas diferentes: dentro (superficies amplias de color), paisaje (técnica más de pequeñas manchas, puntos, mayores vibraciones atmosféricas). Bodegón en primer termino.

El comedor frente al jardín, 1934. Incorpora la influencia de Cezanne con los elementos del bodegón reducidos a formas geométricas. Diferentes perspectivas para los objetos de la mesa. Variedad e puntos de vista tomada también de la pintura de Cezanne.

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Edouard Vuillard
[1868 – 1940]
Escenas muy similares, pero la mayor diferencia viene dada por el uso del color. Es más monacal, utiliza colores mas apagados. Se mueve en una gama de marrones, ocres, combinados con el negro… aunque también es muy frecuente en el introducir algunos golpes intensos, violentos de un azul, un amarillo… la pincelada de Vuillard evoluciona desde los puntos, hacia las grandes superficies de color.

Mujeres junto a la lámpara, 1892. El tema ya lo hemos visto, siendo la lámpara también el eje de la composición. Colores más profundos, esos negros, esos marrones… en contraste con golpes de amarillo. Pero de nuevo lo que interesa son los recursos pictóricos.

El desayuno, 1892. Interés muy degasiano de analizar y trabajar con ese contraluz de las figuras frente a la ventana, de analizar esos matices, esos cambios que proporciona la luz con un foco intenso a l fondo de la obra.

El vestido de flores, 1891. Insiste en el decorativismo. Introduce el elemento disonante, el vestido que es el protagonista de la obra, con esa superficie plenamente decorada, pero también los fondos. De nuevo espejo para dar profundidad a la estancia.

Dama de azul, 1895. Golpes intensos de color. Temas en los que se representan personajes de la burguesía media. AL igual que los impresionistas. Pincelada muy suelta y donde además nos presenta toda esa galería de cuadros dentro de cuadro con ese sentido decorativo.

Mujer delante de la chimenea.

Mujer frente a la ventana. Nos describe a base de manchas de color un espacio. Incide en el decorativismo en las telas del sofá, de las alfombras… ocres, tonos dorados.

La lectora. Decorativismo mas acentuado. Los elementos se confundes unos con otros, con una técnica mas minuciosa.

El kimono. Punto de vista bajo, perspectiva en altura, y tema relacionado con lo japonés.